Caja negra [LKC] – Acentto – Viña del Mar

Fluxus escrito

Rosario — Mon, 20 Dec 2021 18:45:01 +0000

TEXTOS DE: George Brecht, Eduardo Costa, Walter De María, Esther Ferrer, Robert Filliou, Simone Forti, Graciela Gutiérrez Marx, Juan Hidalgo, Dick Higgins, Roberto Jacoby, Ray Johnson, Nam June Paik, Allan Kaprow, Milan Knížák, Július Koller, George Maciunas, Oscar Masotta, Larry Miller, Marta Minujín, Roberto Morris, Pauline Oliveros, Yoko Ono, Benjamin Patterson, Mieko (Chieko) Shiomi, Edgardo Antonio Vigo, Wolf Vostell, La Monte Young, Robert Watts

«Fluxus es lo que Fluxus hace, pero nadie sabe quién lo ha hecho.» Emmett Williams

Desde que George Maciunas utilizó el concepto en 1962 para una “revista internacional de arte y anti-arte, música y anti-música, poesía y anti-poesía”, Fluxus designa un ejercicio de iconoclasia contra el conjunto de convenciones y consensos de la tradición artística. Zona de encuentro a escala mundial de artistas experimentales, Fluxus es un fenómeno poroso que carece de una membresía estricta y de un programa prescriptivo que no sea darle la espalda a los procedimientos del arte profesional, para lanzarse a la disolución radical de las fronteras entre arte y vida y reconquistar el poder metafórico de los eventos cotidianos.

Fluxus experimenta con las formas y encuentra en el terreno intermediático y colectivo una expresividad original, más efímera, lúdica y minimalista que solemne y tendenciosa. Tanto un happening como una serie de instrucciones para realizar una performance pueden ser una obra Fluxus, así como un poema que viaja por correo o un concierto de discos rotos. Para Fluxus, el movimiento de los consumidores en un supermercado puede ser entendido como danza, así como el acto de cepillarse los dientes cada mañana en soledad frente al espejo puede ayudar a formular una pregunta ontológica: se busca llamar la atención sobre aquello que no tenía una motivación artística y que sin embargo se redescubre como una manifestación insospechada de arte.

Fluxus escrito. Actos textuales antes y después de Fluxus contiene textos producidos por muchos de quienes pertenecieron al anti-movimiento, como Yoko Ono, Allan Kaprow, La Monte Young o Robert Filliou, pero también por artistas próximos a su modo de acción, provenientes de otros contextos y geografías, y que se vincularon al grupo de modo tangencial, como Marta Minujín, Roberto Jacoby, Edgardo Antonio Vigo o el colectivo Zaj. Entre la teoría y la práctica, este libro es una herramienta clave para descubrir la originalidad crítica de un período nunca concluido de la historia del arte contemporáneo.

Los fantasmas de mi vida

Rosario — Mon, 20 Dec 2021 19:11:32 +0000

En su primer libro, Mark Fisher llamó “realismo capitalista” a la creencia generalizada de que no es posible una alternativa al capitalismo, de que estamos obligados a enterrar en el pasado cosas como la solidaridad de clase o el concepto de lo público a cambio de seguir conectados al circuito privado de consumo y entretenimiento. Pero, ¿es posible clausurar de manera definitiva nuestros horizontes y resignar todo proyecto transformador? La tesis central que comparten los artículos aquí reunidos es que este presente clausurado, condenado a la repetición y al pastiche, estará siempre acechado por los fantasmas de aquello que ya no es y aquello que nunca fue. Y que es necesario reactivar la memoria histórica y esos futuros perdidos para escapar de la temporalidad detenida en la que vivimos.

En esta suerte de Espectros de Marx para el siglo XXI, Mark Fisher se enfrenta a las ruinas de aquel momento en que la cultura popular –en especial la música– todavía tenía la capacidad de producir formas innovadoras y soñar con modos de vida radicalmente alternativos. En la experiencia colectiva de las raves, el rechazo al trabajo de los mods, el modernismo militante de los postpunks resuena aún la prometeica ambición de la clase trabajadora de producir un mundo que exceda existencial y estéticamente a la cultura burguesa. Pero no se trata de aferrarse de manera nostálgica a ese pasado para refugiarnos del presente: no abandonar los fantasmas implica no ajustarse a lo que las condiciones actuales llaman “realidad”.

Estos penetrantes ejercicios de análisis cultural, que comprenden no solo música sino también la obra de directores como Kubrick, Cronenberg o Christopher Nolan, son para Fisher rituales para exorcizar el espectro que lo persiguió toda su vida: la depresión. Porque si identificamos estructuras sociales allí donde el neoliberalismo solo ve elecciones y responsabilidades personales, seremos capaces de convertir el padecimiento individual en ira politizada.

La historia secreta del disco, sexualidad e integración racial en la pista de baile

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 20:27:05 +0000

‘Para sus detractores, la música disco nunca fue más que el desfile de celebridades de Studio 54, la empalagosa música de los Bee Gees o el chico humilde de origen italiano de Fiebre de sábado por la noche que es transportado al firmamento por la sola virtud de su atuendo y pasos de baile. Sin embargo, en este libro Peter Shapiro revela que detrás de ese espectáculo de narcisismo, indulgencia y frivolidad se esconde una historia pocas veces contada, la historia oculta de un género nacido de la convergencia de las culturas marginales de los homosexuales, los afroamericanos y los inmigrantes latinos e italianos, en una época en la que el fracaso de la utopía hippie había dado lugar a la exclusión y la guerra de pandillas. “Glamour entendido como acto de rebeldía”, el disco le dio un nuevo sentido a la idea de comunidad al promover la integración racial, sexual y de clase en la pista de baile. Shapiro rastrea así el origen de la cultura disco en las luchas por los derechos civiles, el Black Power, la edad dorada del soul, la revolución sexual y la psicodelia, a la vez que hace foco en aquellas transformaciones surgidas al compás de primitivas cajas de ritmo y sintetizadores que cambiaron el paisaje de la música para siempre. En tanto la historia del disco es al mismo tiempo la historia del nacimiento de la cultura del DJ, del remix, y, en definitiva, de la discoteca tal como la conocemos actualmente, este libro recupera el aporte innovador de artistas como Larry Levan, David Mancuso, Giorgio Moroder o Arthur Russell, entre tantos otros, y documenta el surgimiento de clubes emblemáticos como The Loft, Le Jardin o el legendario Paradise Garage que establecieron el canon de lo que conocemos como música y cultura dance.’CONTENIDO:Prólogo: La manzana podridaParte uno: El disco nace de las cenizas-Una prehistoria del disco-The Loft-El arte de la mezcla y el nacimiento del sigle de doce pulgadas-El universo paralelo del Northern soulParte dos: Disco y sexualidad-La emergencia de la escena disco gay-Sylvester y el sonido de San Francisco-Hi-NRGParte tres: El disco y la máquina-Automatizando el beat-Eurodisco-Giorgio MoroderParte cuatro: El disco y el ‘continuum’ del soul-Penthouse soul-El tropo de las caras sonrientes del soul de los setenta-El sonido de Filadelfia-Cultura disco, clase media negra y políticas de crossover-Chic-August DarnellParte cinco: El disco se hace masivo-El disco corta por lo sano-Studio 54-Roller disco-Henri Belolo y Jacques Morali-La muerte del discoParte seis: El disco vuelve al underground-Música disco y punk-Italo-discoEpílogo: El disco hoy

Resonancia siniestra. El oyente como médium

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 20:27:05 +0000

‘Sobre la escucha siempre ha pesado un estigma: el de ser, de entre todos nuestros sentidos, el menos fiable. Mientras que aquello que vemos y tocamos se nos revela como una realidad “objetiva”, una certeza a partir de la cual establecemos nuestro lugar en el mundo, el sonido se parece más a un fantasma. su lugar en el espacio es ambiguo y su existencia en el tiempo, transitoria. Es por ello que el sonido ha actuado desde siempre como metáfora de la revelación mística, los deseos prohibidos, lo siniestro, lo informe, lo sobrenatural y lo desconocido.Así como en Modos de ver John Berger establece el lugar preponderante de la mirada en nuestra experiencia del mundo, en Resonancia siniestra David Toop se propone reflexionar acerca de la naturaleza del sonido y de la escucha, asumiendo como punto de partida su carácter espectral e inaprensible. A partir de estas reflexiones –organizadas de manera musical, con ideas que vuelven una y otra vez como notas recurrentes–, Toop da los primeros pasos para trazar una historia de la escucha, basándose en el testimonio que de ella nos brindan los mitos, la literatura, la pintura y la escultura. Esos medios, que pese a ser silenciosos poseen la capacidad para representar el sonido y el acto de la escucha, funcionan como dispositivos de grabación anteriores al invento del fonógrafo, permitiéndonos imaginar cómo era la vida auditiva en otras épocas y revelándonos cuál es la verdadera esencia del sonido, el ruido y el silencio. Así, al descubrir un mundo sonoro al interior de la obra de escritores como Melville, Hoffmann, Poe, Joyce, Woolf, Faulkner o Beckett, y de artistas como Rembrandt, Vermeer, Duchamp, Rauschenberg, Munch, Malévich o Twombly, Resonancia siniestra nos abre las puertas de una nueva dimensión perceptiva.’

Black music. Free jazz y conciencia negra 1959 – 1967

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 20:27:05 +0000

“La mayoría de los críticos de jazz han sido hasta ahora americanos blancos, mientras que los músicos más importantes no.” Con esta frase comienza la compilación que el lector tiene en sus manos, en la que se documenta uno de los ejercicios de crítica musical más radicales y salvajes que alguna vez se haya puesto en práctica. En estos ensayos, reseñas, entrevistas, notas para discos, crónicas e impresiones personales publicados entre 1959 y 1967, Amiri Baraka retrata la floreciente escena del free jazz, un movimiento que implicó una profundización de las innovaciones sonoras del bebop y la recuperación del jazz como expresión autentica de la cultura afroamericana en un momento en el que su éxito comercial lo había vuelto un género estandarizado y digerible para la América blanca.Figura central y aglutinante del movimiento beatnik en los años 50 y del Black Power en décadas posteriores, Amiri Baraka hace uso de un lenguaje eléctrico y furioso que refleja la libertad de improvisación del free jazz para dejar en claro que esta música solo puede ser comprendida como parte de un cuerpo de experiencias que a lo largo del siglo XX dieron forma a una nueva conciencia sobre lo que significaba ser negro en los Estados Unidos. Y que por ello sus intérpretes, entre quienes destaca a John Coltrane (“su música es una de las razones por las que el suicidio parece una cosa tan aburrida”), Ornette Coleman, Archie Shepp, Sun Ra, Thelonious Monk, Albert Ayler, Pharoah Sanders, Sonny Rollins, Don Cherry, Wayne Shorter y Cecil Taylor, deben ser considerados, además de grandes músicos, como “intelectuales o místicos, o ambas cosas”.

Generación Hip – Hop. de la guerra de pandillas y el grafiti al gangsta rap

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 20:27:19 +0000

‘Basado en cientos de entrevistas y más de diez años de investigación, Jeff Chang nos ofrece en Generación Hip-Hop una exhaustiva historia musical y cultural del hip-hop, desde sus raíces en los sound systems jamaiquinos, pasando por las guerras de pandillas y fiestas callejeras en los guetos negros de Nueva York, hasta su posicionamiento como uno de los sonidos más influyentes del mainstream actual. Las trayectorias de artistas como Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, Ice Cube y Jay-Z, junto a la de promotores, sellos y djs, son el hilo conductor con el que el autor reconstruye la evolución de este género, interpretando su desarrollo como reflejo de las tensiones políticas e ideológicas que atravesaron la comunidad afroamericana desde la década del 70 en adelante.Para toda una generación, nacida tras el asesinato de Malcom X y con los gobiernos neoliberales de Reagan y Bush como telón de fondo, los cuatro elementos característicos del hip-hop –el dj, el mc, el breakdancing y el grafiti– se convirtieron en los canales privilegiados para expresar su malestar y promover una cultura en común. Las distintas formas que adoptó este género, desde la militancia inspirada en las Panteras Negras de bandas como Public Enemy hasta las rimas sexistas y homofóbicas de los artistas del gangsta rap, son el reflejo de una generación que debió debatirse entre la conciencia negra engendrada en las luchas históricas de la comunidad afroamericana y la cultura del individualismo, la competencia y el consumo, exacerbada por la sociedad capitalista contemporánea.’

Volverse público. Las transformaciones del arte en ágora contemporánea

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 20:27:19 +0000

‘Recordemos la conocida frase de Joseph Beuys: ‘Todo ser humano es un artista’. Esta máxima tiene una larga tradición que se remonta al marxismo temprano y a la vanguardia rusa. Lo que se entendía en ese momento como utopía se ha convertido hoy en una obligación: todo ser humano tiene que asumir una responsabilidad estética por su apariencia frente al mundo, por el diseño de sí. Aunque no todos producen obras, todos son una obra. A fines del siglo xx, el arte entró en una nueva era: la de la producción artística masiva. Mientras que el anterior fue un período signado por el consumo masivo del arte, en nuestra época la situación se modificó al compás de los avances técnicos y de los cambios en los criterios que utilizamos para identificar qué es arte y qué no lo es. El acceso relativamente fácil a variados dispositivos para la producción de imágenes combinado con Internet como plataforma de distribución global alteró la relación tradicional entre productores y espectadores: las redes sociales y los sitios como Facebook, Twitter, YouTube y Second Life ofrecen a la población global la oportunidad de mostrar sus fotos, videos y textos de un modo que no puede distinguirse de cualquier otra obra de arte conceptualista o post-conceptualista. Asistimos a la sustitución del campo unificado de la cultura de masas por un escenario de fragmentación en el que millones de productores generan textos e imágenes para un espectador que no tiene suficiente tiempo para leer y ver. En los ensayos que componen Volverse público, Boris Groys describe diversos aspectos de esta transformación radical del campo del arte, desde sus manifestaciones embrionarias en los proyectos de artistas de vanguardia como Duchamp, Kandinsky y Malevich hasta la actualidad, en la que la actividad artística pareciera no ser más un destino exclusivo sino un gesto débil, una tarea que asumimos cotidianamente en el nuevo ágora mediática’

Postpunk. Romper todo y empezar de nuevo

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 20:37:48 +0000

DESCRIPCIÓN

Si bien existen cientos de libros que documentan aquellos años en los que el punk desafió al status quo de la música con su nihilismo de tres acordes y la ética do it yourself, Postpunk. Romper todo y empezar de nuevo es el primero en recuperar a aquellas bandas que supieron ver en las condiciones generadas por el punk la oportunidad para establecer una verdadera ruptura con la tradición y experimentar por fuera de los estrechos parámetros del rock. Entregados a la tarea de profundizar la revolución iniciada por el punk, grupos como PiL, Joy Division, The Fall, The Slits, Devo, The Residents, Throbbing Gristle o Liquid Liquid exploraron territorios previamente desconocidos al incorporar las técnicas de producción del dub y la música disco, las radicales estrategias compositivas del krautrock, la música contemporánea y el free jazz, y el groove y la economía sonora del funk. Pero no solo de música se alimentó el postpunk: Cabaret Voltaire tomó prestado su nombre de Dada; Pere Ubu adoptó el suyo de Alfred Jarry; Gang of Four, inspirado por Brecht y Godard, trató de deconstruir el rock; los letristas absorbieron la ciencia ficción radical de J.G. Ballard, Philip K. Dick y William S. Burroughs; y bandas como The Pop Group o Contortions se inspiraron en el teatro de la crueldad de Artaud para romper las barreras entre el público y el escenario. Al purismo estridente del punk, el postpunk le opuso eclecticismo e hibridez. Y a su tradicionalismo rockero, un imperativo de cambio constante.

Escrito seis años antes que Retromanía, en este libro el crítico británico Simon Reynolds le rinde homenaje a una de las últimas vanguardias que dio el rock, “más que un género musical, un espacio de posibilidades que engendró incontables géneros y escenas”. Si bien aquellos años del postpunk que van de 1978 a 1984 vieron nacer a muchos grupos que luego gozaron de una enorme fama –como New Order, Depeche Mode, The Cure o U2– su historia no fue escrita por los vencedores: muchos de ellos grabaron discos innovadores pero nunca alcanzaron más que el estatus de grupos de culto, teniendo que conformarse con haber influenciado a megabandas como Red Hot Chilli Peppers, Nine Inch Nails o Radiohead o alimentar la retromanía actual de bandas neopostpunk como The Rapture, LCD Soundsystem, Franz Ferdinard o Interpol.

CONTENIDO:

Nota del autor
Introducción
Prólogo: La revolución inconclusa

Parte 1. Postpunk
1. Mi imagen pública me pertenece: John Lydon y PiL
2. Autonomía en el Reino Unido: «Do It Yourself» y el movimiento de los sellos independientes británicos
3. Resurgimiento tribal: The Pop Group y The Slits
4. Entretenimiento militante: Gang of Four, The Mekons y la escena de Leeds
5. Ansia incontrolable: El grotesco industrial de Pere Ubu y Devo
6. Vivir el futuro: Cabaret Voltaire, The Human League y la escena de Sheffield
7. Sólo hazte a un lado: The Fall, Joy Division y la escena de Manchester
8. Degradación industrial: La música de la Fábrica de la Muerte de Throbbing Gristle
9. Contorsiónate: Nueva York y la No Wave
10. Arte manía: Talking Heads, Wire y Mission of Burma
11. Estética del desorden: La vanguardia londinense
12. La escena freak: El Cabaret Noir y el Teatro de la Crueldad en el postpunk de San Francisco
13. A toda velocidad: PiL y el auge y la caída del postpunk

Parte 2: New Pop y New Rock
14. Ghost Dance: 2-Tone y la resurrección del ska
15. Sex Gang Children: Malcolm McLaren, el flautista de Hamelin del Pantomime Pop
16. Mutant Disco y Punk Funk: Tráfico urbano en Nueva York a principios de los ochenta (y más allá)
17. Diversión y frenesí: Postcard Records y el sonido de la joven Escocia
18. Sueños eléctricos: Synthpop
19. Jugar para ganar: Los pioneros del New Pop
20. Nuevos sueños dorados 81-82-83-84: El nuevo auge del pop, la segunda invasión británica en los Estados Unidos y el surgimiento de MTV
21. Cosas oscuras y juventud gloriosa: El regreso del rock con el gótico y la nueva psicodelia
22. Tomar por asalto el siglo XX: ZZT, The Art of Noise y Frankie Goes to Hollywood

Epílogo
Agradecimientos

Escribir en el agua. Cartas (1930-1992)

Rosario — Mon, 20 Dec 2021 14:23:08 +0000

«Necesitamos un nuevo lenguaje que pueda ser experimentado por todos los seres humanos en forma inmediata y que al mismo tiempo les otorgue a los animales, a las plantas, al aire, al agua y a la tierra un lugar equivalente en la creación. Los ideogramas chinos lo hacían, antiguamente. Necesitamos ideogramas que hagan eso ahora.»

Escribir en el agua reúne una amplia selección de las cartas escritas por John Cage de 1930 a 1992, y abre las puertas a una aventura de expansión de lo experimentable: al ruido, al cuerpo, al silencio, al espacio, al más allá de la sintaxis, a la mezcla de los lenguajes. Al leerlas en serie, se va delineando la autobiografía involuntaria y discontinua de un personaje esquivo que tiene una comprensión impactante de su tiempo. La cantidad de tópicos claves para nuestra época que se prefiguran es sorprendente: el problema de la tecnología, la globalización económica y cultural, la disidencia sexual, las relaciones entre distintas mentalidades (oriental, europea, norteamericana), la alimentación, la comunidad, la crítica del sujeto moderno y del antropocentrismo ganan lugar en su escritura cotidiana.

Como mínimo, este libro permite dos rutas de lectura. En una, las cartas cuentan una historia de la cual Cage es protagonista: la transformación de la música en otra cosa (“sonido en el espacio”). En este sentido, el libro funciona como una perfecta guía de escucha del siglo XX; un itinerario comentado por obras que su autor estudia y compara, y por sus propios proyectos. Por otro lado, mientras descubrimos a la persona, su sensibilidad, sus dificultades económicas y su vasta red de afectos, asistimos a debates históricos y culturales, y a intercambios con figuras como Morton Feldman, Merce Cunningham, Pierre Boulez, Peter Yates, Marshall McLuhan, Christian Wolff y David Tudor. En todo momento, Cage difumina los límites entre carta, poema y ensayo, y parece recordarnos que estamos ante alguien que pretende “escribir en el agua”, “desmilitarizar el lenguaje”: que busca, en definitiva, propiciar otras formas de vida.

Sonidos de Marte

Rosario — Mon, 20 Dec 2021 18:25:51 +0000

Nadie puede negar hoy la omnipresencia de la música electrónica: desde los éxitos pop masivos que encabezan los rankings hasta las exploraciones sonoras más aventuradas son en su gran mayoría fruto del encuentro íntimo entre la creatividad humana y las máquinas. Su historia podría pensarse así como una historia doble. Por un lado, la de aquellos compositores, productores e inventores vanguardistas que, ya sea en la soledad de sus estudios de grabación como en marcos institucionales diversos –el Taller radiofónico de la BBC o la radio NWDR de Colonia, entre otros–, desarrollaron un leguaje inédito y abstracto explorando la física del sonido y llevándola a lugares hasta ese momento desconocidos. De esta nutrida constelación de pioneros como Robert Moog, Leon Theremin, Brian Eno, Delia Derbyshire o Jeff Mills surgieron las composiciones y los géneros que hoy constituyen el amplio panorama electrónico: desde la musique concrète al synthpop, pasando por el house, el ambient, el hip-hop, la música industrial o el techno. Pero en paralelo existe también una línea evolutiva no-humana, maquínica, que da cuenta de los saltos tecnológicos y de los horizontes estéticos que estos posibilitaron. Los protagonistas de esta segunda historia son sintetizadores modulares, máquinas de ritmos, secuenciadores midi, computadoras y samplers, y tienen nombres que parecen salidos de una novela de ciencia ficción: Mellotrón, Ondas Martenot, Vocoder, Jupiter-6, TR-808, MPC60.

¿Pero qué queda hoy, en el siglo de su definitiva consagración, de la imaginación futurista que caracterizó a esos sueños hechos de loops de cintas magnéticas, señales de ruido blanco y osciladores? Para responder a esta pregunta, David Stubbs nos conduce en un viaje sonoro a la vez exhaustivo y personal que recorre más de cien años de música electrónica para descubrir en su legado no solo un halo de nostalgia retromaníaca sino también el parpadeo de territorios sonoros aún inexplorados.

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