Lukas Kühne, Fabrice Lengronne (compiladores)

Este libro representa sin dudas un aporte fundamental a la memoria regional del Arte Sonoro. Da cuenta de las actividades, producciones y dinámica formativa durante los primeros quince años del Taller Forma y Sonido, conducido por Lukas Kühne y Fabrice Lengronne en Montevideo, Uruguay, y en la voz de quienes tuvieron la experiencia directa de transitarlo o visitarlo. A su vez, releva las ediciones del Festival Internacional Monteaudio, que ha logrado convocar cada año a artistas locales e internacionales tanto para la producción y presentación de obra, como el dictado de seminarios y talleres específicos.

Los lectores encontrarán aquí las palabras de artistas de reconocida trayectoria provenientes de Latinoamérica, Europa, América del Norte y Asia, junto a las de artistas en formación o dando sus primeros pasos públicos. Descripciones de obras, exhibiciones y procesos creativos junto a consideraciones acerca de la disciplina, raccontos historiográficos y testimonios de extranjeros sobre la particular auralidad montevideana. Detalles acerca del diseño de nuevos instrumentos y dispositivos sonoros a la par de especulaciones abstractas sobre la escucha, la materia y el espacio. Paisajes sonoros e intervenciones urbanas, instalaciones y proyectos de sitio específico, performances verbales y esculturas sonoras, apropiaciones, materiales reciclados y sofisticada tecnología digital, circuit bending y luthería experimental: no parece haber formato, material o procedimiento que no tenga una representación en las crónicas y reflexiones que pueblan este libro.

Panorama amplio del arte sonoro en Uruguay y la región, Forma y sonido se suma a otros intentos recientes de pensar esta actividad artística desde la perspectiva de la región, barrosa e híbrida, situada y glocal, con la distintiva tonalidad del agua de río mezclada con mar.

“Si para los compositores-investigadores la música electroacústica es un género en fase terminal, limitado exclusivamente a los intereses del medio académico, para otros ha mantenido su ritmo como una tendencia artística vigente y subversiva. No solo ha cambiado continuamente de una década a la otra, sino que se hibridó con otros géneros o se convirtió en algo de una esencia completamente diferente, como es el caso de la videomúsica” (Daniel Quaranta y Marcelo Carneiro de Lima). Este libro presenta tanto metodologías analíticas generales, como descripciones y procedimientos aplicados a las particularidades de algunas producciones específicas. Diversos autores abordan metodologías analíticas para obras acusmáticas, interpretación de la música mixta, videomúsica y uso de la espectromorfología como herramienta de análisis, entre otras.

Dakou (打口) en chino significa «hacer roturas o aperturas» y fue el nombre que se le dio a esas cintas cortadas o, a veces, completamente destruidas. Ante ese panorama, surgió una vía subterránea de comercialización de cintas reparadas, por fuera del árido debate de la ilegalidad. Reparar y escuchar esas cintas fue determinante para las personas que conformaron la generación dakou y para la vitalización de una escena musical ligada al rock: se escuchaba música nueva sin criterio ni bagaje y sin medios legitimadores, y muchxs jóvenes dakou, con el tiempo, formaron bandas, crearon publicaciones, se hicieron críticxs musicales o músicxs experimentales, como Yan Jun.

Con un estilo que va de lo poético a lo analítico y de la crítica cultural a lo anecdótico, «Generación dakou: reciclando el sonido» reúne una serie de textos escritos por Yan Jun que hablan de su práctica artística; del sonido, la escucha, el espacio y la grabación de campo; del arte sonoro y la historia de la música experimental en China; del arte, el acceso, el consumo y la circulación de información; del lenguaje, el Estado y el ruido…

Incluye: entrevista a Yan Jun y discografía seleccionada.

Yan Jun (Lanzhou, 1973) es músico y poeta. Sus trabajos en música se centran en las grabaciones de campo, la voz, la electrónica experimental, el movimiento corporal y la improvisación. Desde los noventa, es una figura clave dentro de la comunidad de música under en China.

«Serie de textos escritos por el músico chino Yan Jun que hablan de la generación dakou y cómo influyó en su práctica artística; del sonido, la escucha y la grabación de campo; del arte sonoro y la historia de la música experimental en China; del arte, el acceso, el consumo y la circulación de información; del lenguaje, el Estado y el ruido.«

El presente libro explora las perspectivas de educación-investigación-producción en entornos virtuales dentro del marco de las enormes posibilidades interactivas de las que disponen los usuarios de las tecnologías de la información y comunicación (TIC) en la actualidad, con un especial énfasis en su aplicación en sonido y audiovisuales. Tiene su origen en las investigaciones que Patricia San Martín y su equipo están realizando en el proyecto de investigación “Obra abierta: hacia la construcción de un sistema para investigar y aprender en entornos virtuales organizacionales”. En este proyecto se abordan de manera coordinada las temáticas de la investigación/educación/pro-ducción en entornos físico-virtuales de educación superior, la interactividad en los dispositivos hipermediales dinámicos y el modelado de las relaciones de los actores de un dispositivo hipermedial context-aware.

La música como acción o evento es solo uno de los ejes de la vasta obra de Philip Corner. Múltiples tradiciones e influencias artísticas y espirituales cristalizan en sus trabajos, tan diversos como instrucciones para caminatas de escucha meditativa, composiciones para gamelán y para gong, versiones ralentizadas de piezas de Erik Satie, y partituras caligráficas y objetos intervenidos. En sus creaciones, intuición y rigor formal dialogan sin anularse, cuerpo y alma se funden en la experiencia del sonido y del silencio.

Philip Corner, artista Fluxus y pionero del minimalismo, es una figura decisiva de la música experimental. Fue alumno de Olivier Messiaen y devino uno de los exponentes principales de la generación posterior a John Cage, junto con Pauline Oliveros, James Tenney y Yoko Ono. Corner desarrolló una obra singular en torno a la escucha, el silencio y la exploración sonora, y extendió su creatividad musical más allá del sonido, incursionando en lenguajes visuales y en estrategias interdisciplinarias.

Escrito por Daniel Varela, especialista argentino en música experimental, Philip Corner: fluido y forma es el primer estudio integral de la vida y la obra de este compositor norteamericano. Es, además, fruto de largos años de investigación del autor, y de su relación personal con Corner, quien prologó el libro.

Indagaciones como estas, esbozadas en Generación dakou, se encuentran plasmadas y desarrolladas por Yan Jun en los textos que componen No importa si no es (música). Su propuesta de «desenfoque» habilita una nueva reflexión sobre nuestra relación con el arte: desenfocar los sonidos para igualarlos (ningún sonido se destaca sobre otro), desenfocar la escucha para no escuchar nada en particular, desenfocar la subjetividad a partir de la destrucción del lenguaje, y devolver la intimidad al ámbito privado, donde el ruido alto y fuerte identificado con el noise se convierte en un ruido blando, bajo e innominado, y nuestra vida puede ser arte o, justamente, no serlo en absoluto.

Con su característico estilo poético y digresivo, Yan Jun parte de sus propias experiencias vitales para explorar en diversos temas: escenas experimentales mínimas y control estatal; bajas frecuencias como instancias prelingüísticas; una banda sonora para una película de ciencia ficción; y la relación entre el cuerpo, las máquinas y la naturaleza en una China hipercapitalista, en la cual mitología, espiritualidad e historia cultural y política funcionan como nexos de todas las cosas.

Yan Jun (Lanzhou, 1973) es músico y poeta. Sus trabajos en música se centran en las grabaciones de campo, la voz, la electrónica experimental, el movimiento corporal y la improvisación. Desde los noventa, es una figura clave dentro de la comunidad de música under en China.

Yan Jun habilita una nueva reflexión sobre nuestra relación con el arte: desenfocar los sonidos para igualarlos (ningún sonido se destaca sobre otro), desenfocar la escucha para no escuchar nada en particular, desenfocar la subjetividad a partir de la destrucción del lenguaje, y devolver la intimidad al ámbito privado, donde el ruido alto y fuerte identificado con el noise se convierte en un ruido blando, bajo e innominado. Escenas experimentales mínimas y control estatal; bajas frecuencias como instancias prelingüísticas; una banda sonora para una película de ciencia ficción; y la relación entre el cuerpo, las máquinas y la naturaleza en una China hipercapitalista, en la cual mitología, espiritualidad e historia cultural y política funcionan como nexos de todas las cosas.

También se incluye información para comprar y usar complementos como micrófonos, soportes, iluminación, opciones de almacenamiento de video y más. Explorará opciones para usar otros dispositivos para que funcionen como cámaras, como teléfonos inteligentes, GoPro y otras aplicaciones de cámara.

Requiere iOS 9.3 o posterior. Compatible con iPhone, iPad y iPod touch. Aplicación iMovie versión 2.2.4 y posteriores.

• Aprenderá las mejores prácticas para crear vídeos de calidad utilizando únicamente su iPad e iMovie con iluminación natural y artificial.

• Mejore sus películas con efectos de cámara lenta, avance rápido, imagen en imagen y pantalla dividida

• Personaliza logotipos de estudios cinematográficos, nombres de actores y créditos.

• Cree un avance y elija entre ocho temas de video únicos con títulos, transiciones y música coincidentes.

• Guarde vídeos y archivos de proyectos de iMovie en iCloud Drive

• AirPlay para transmitir vídeo de forma inalámbrica a tu HDTV con Apple TV

Se accede a los ejemplos de vídeo en línea utilizando el código único proporcionado en cada libro.

«Este libro puede considerarse como un ejercicio de psicogeografía: solo que su método no es caminar sino bailar.» McKenzie Wark

Luego de su publicación original en 1998, Más brillante que el sol, del ensayista y artista británico Kodwo Eshun, marcó un antes y un después en la crítica musical y los estudios culturales. Parte experimento de escritura ciberpunk, parte viaje a través de las capas subterráneas de la música negra, este libro se propone abandonar el abordaje clásico que explica las innovaciones sonoras por lo social, lo histórico o lo biográfico para adentrarse de lleno en la materialidad del vinilo y descubrir los conceptos que la música produce para teorizarse a sí misma. A partir de un ajuste constante del telescopio de la percepción, desde la escucha más atenta de los samples de un track hasta la contemplación fascinada ante el arte de tapa de un disco, este libro está diseñado para producir sensaciones en tu cuerpo, como cuando tus dedos se sienten atraídos por un disco y se estiran para alcanzarlo, o cuando un ritmo se mete bajo tu piel provocándote un estremecimiento eléctrico. Porque el cuerpo es la vía de acceso definitiva para comprender la música.

Desde Sun Ra y Alice Coltrane a Lee Perry y Tricky, desde Public Enemy y Funkadelic a Underground Resistance y Drexciya, lo que persiste no es una noción de lo negro como algo puro y unificado, con raíces en el pasado o en la autenticidad de la calle. Surgida de la experiencia de la diáspora, la esclavitud y el desarraigo, la cultura afroamericana y los sonidos afrofuturistas del jazz, el funk, el dub, el hip hop, el techno y el jungle son por definición sintéticos, alienígenas y posthumanos. A partir de un tipo de imaginación nutrida por los cómics y la ciencia ficción, Kodwo Eshun encuentra en esa música indicios de nuevas formas de vida: shocks sensoriales que nos arrojan hacia mundos que vienen a nosotros desde el futuro.

Los mecanismos de seducción con los que la radio nos continúa atrapando, el erotismo propio de sus voces acusmáticas, el halo de nostalgia que siempre ha acompañado sus transmisiones… Todo ello configura un tipo especial de relación con el oyente que aquí se denomina intimidad radiofónica, y cuyo estudio se canaliza a través de una metáfora: la palpitante membrana del micrófono. Las vibraciones de esa elástica superficie fronteriza ponen en contacto el espacio virtual y electrónico de la radio, por un lado, con el lugar donde los cuerpos y sus voces acarician —o golpean— esa membrana, por el otro. Esa tensión alimenta este pequeño tratado sobre la radioperformance.

Entre las variadas actividades de Miguel Álvarez-Fernández (Madrid, 1979) que confluyen en estas páginas destaca su labor como director y presentador, desde 2008, del programa semanal Ars Sonora, en Radio Clásica/RNE. También su experiencia como comisario de proyectos de arte sonoro (desde Itinerarios del sonido, que en 2005 desarrolló junto con María Bella gracias al apoyo de la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde además disfrutó de una beca como compositor), director de cine (No escribiré arte con mayúscula, con Luis Deltell, 2015), productor musical (La distancia entre el barro y la electrónica. Siete diferencias valdelomarianas, de Niño de Elche, 2020), ensayista (Luis de Pablo: inventario, Casus Belli, 2020) y autor de una tesis doctoral en Musicología sobre La voz límite (2015).

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Este libro es uno de los resultados de la colaboración con el centro de sociedad y cultura contemporánea Alhóndiga Bilbao / Azkuna Zentroa durante el periodo en el que consonni estuvo como colectivo residente (2018-2019) dentro del programa #Amphitryon.