El testimonio de estos creadores abre una puerta para reflexionar sobre el cuerpo, el movimiento y las posibilidades expresivas, devolviendo una multiplicidad de voces que dan cuenta de una escena diversa y en permanente búsqueda de nuevas formas.

También, al tratarse de una panorámica, esta brillante investigación realizada por Gladys Alcaíno y Lorena Hurtado, nos pone al corriente de las circunstancias por las que ha corrido la danza contemporánea durante los últimos años en nuestro país, configurando un diálogo en el que se tejen planteamientos estéticos y discursos que abordan, entre otros temas, la inserción social, la organización comunitaria y el posicionamiento político.

Tercer volumen de la colección de libros Súlkary Cuba dirigida por Mercedes Borges Bartutis, en esta ocasión dedicado al mundo del ballet

Escrito expresamente para Balletin Dance por Miguel Cabrera, historiador desde hace casi medio siglo del Ballet Nacional de Cuba, esta tercera entrega de la serie de libros cubanos se titula El Ballet en Cuba, Nacimiento de una Escuela en el Siglo XX.

Con una fuerte presencia internacional, la escuela cubana de ballet es una institución sólida, conocida y reconocida, en los principales escenarios de la danza mundial, y la única nacida en el siglo pasado. En medio de esa concentración de bailarines cubanos, que hoy son aplaudidos en geografías disímiles, la figura de Alicia Alonso se erige como símbolo y ejemplo irrefutable de maestría artística, iniciadora de esta historia que cuenta con más de seis décadas de existencia.

Este texto organiza fechas de estrenos, presentaciones determinantes, momentos categóricos en estos largos años de bregar del ballet de un pequeño país, que hoy es una pieza medular en el ranking internacional de esta disciplina.

Cabrera es un minucioso analista, que ha tenido el privilegio de acompañar al Ballet Nacional de Cuba y su historia, desde 1970. Ha sido entonces, la persona elegida para detallar estas memorias que, con sus argumentos, puntualizan por qué la escuela cubana de ballet es respetada y valorada en su máxima expresión

Miguel Cabrera

(1941- ) Graduado de Historia en la Universidad de La Habana (1967) y Doctor en Ciencias sobre el Arte (2003), desde 1970 es Historiador y Jefe del Centro de Documentación e Investigaciones Históricas del Ballet Nacional de Cuba (BNC). Fundador y Profesor Titular de la Facultad de Arte Danzario de la Universidad de las Artes de Cuba (1987-2011).

Fue fundador de programas de ballet en radio y televisión, e impulsó la revista Cuba en el Ballet. Ha publicado ensayos, crónicas y artículos en importantes periódicos y revistas cubanas y extranjeras. Ha participado como profesor de historia de la danza en cantidad de festivales y encuentros en Europa y América.

Ha publicado quince libros históricos en Cuba, la Unión Soviética y Venezuela. Su labor ha sido reconocida en Cuba, España, Venezuela, Perú, Ecuador, Colombia y Brasil. Ha recibido la Distinción por la Cultura Nacional del Ministerio de Cultura (1993), Reconocimiento otorgado por Fidel Castro Ruz y la Universidad para Todos (2002), Medalla Alejo Carpentier del Consejo de Estado de la República de Cuba (2003), Mérito al Trabajo 40 años del BNC (2010), entre otros.

Este libro está concebido desde la contribución que hacen las terapias por el arte en la promoción de salud y la creatividad. Danza/movimiento terapia es una forma de psicoterapia mediada a través del proceso creativo. La autora, profesional clínica en la disciplina, habla de las posibilidades de focalizar las conductas de movimiento que emergen en la relación terapéutica. Se considera que el movimiento corporal es simultáneamente una imposición de sentido y un modo de intervención. Creatividad del cuerpo en danza que actúa como un tipo de lenguaje encarnado e inmediato que se estructura sobre el recíproco funcionamiento del «binomio» cuerpo-mente. Creatividad a través de la búsqueda de opciones en la relación terapéutica. Creatividad en la comprensión de patrones de movimiento, de metáforas del cuerpo en movimiento y de la creación de la propia danza. Creatividad en poner a jugar el pensamiento de distintos autores, para que el lector construya sus propias conclusiones.

Introducción 11

Capítulo I. Dance/movement therapy 17
1. ¿Cuáles son sus orígenes? 17
2. Principios 20
3. Mi visión y modalidad de trabajo 21
4. «Espejar» 28
5. ¿Por qué se habla de «proceso»? 32
6. ¿Qué significa «danza básica», o «movimientos naturales»? 36
7. ¿Qué son patrones de movimiento? 37
8. Construcción del espacio-horizontalidad, verticalidad, sagitalidad 42
9. ¿Qué se propone y cuál es el objetivo del terapeuta en el trabajo específico con los pacientes? 45
10. ¿Cuál es nuestra propuesta de trabajo? 47
11. ¿En qué se fundamenta la comprensión de un lenguaje o discurso de movimiento? 49
12. ¿Cómo se aborda el síntoma en Dance/movement therapy? 52
13. ¿Por qué se habla de construir un puente entre lo interno y lo externo? 54
14. Training en Dance/movement therapy 55
15. ¿Cómo se realiza el trabajo grupal? 57

Capítulo II. Pioneras de la actividad en Dance/movement therapy 65
1. Marian Chace 66
2. Mary Whitehouse 70
3. Blanche Evans 74
4. Trudi Schoop 76
5. Liljan Espenak 78
6. Mirian Roskin Berger 81

Capítulo III. Aplicaciones teórico-prácticas en Dance/movement therapy 85
a. El cuerpo degradado 85
b. Desaparición en Argentina: su impacto en el cuerpo de la familia. Análisis del proceso terapéutico que realizó una familia 95
c. Manifestación y tratamiento de la violencia. Panel Internacional de ADTA 112
Australia 112
Canadá 114
México 114
Alemania 115
Suecia 116
Finlandia y Noruega 117
Corea 118
Japón 123
Francia 124
Estados Unidos 125
Holanda 130
Argentina 131
d. Rehaciendo el mundo: Dance/movement therapy con sobrevivientes de tortura y guerra 135

Epílogo 149

En cierta medida, escribir sobre la danza implica transformarla, poniendo en movimiento aquello que ya de por sí nunca estuvo quieto. Los escritos que componen El idioma de la danza se desprenden de la práctica del bailar y no a la inversa. Así como el fenómeno de la danza se presenta de modo heterogéneo y múltiple a través de sus diversas expresiones, estos textos son tan libres como las experiencias de cada unx, siempre en la búsqueda de que el pensamiento se acerque al arte, que no lo traicione.

Desmenuzar la práctica permitió entrever qué elementos la componen y en este proceso no solo aparecieron palabras, sino también silencios; ahí donde su significado era inaprensible se multiplicaron las ideas, los conceptos, las imágenes.

Escriben Adriana Barenstein, Lucas Condró, Ana Frenkel, Roxana Galand, Viviana Iasparra, Silvio Lang, Ana Laura Lozza y Bárbara Hang, Leticia Mazur, Marina Sarmiento, Diana Szeinblum, Gustavo Tarrío, Florencia Vecino y Rhea Volij.

Arte de Federico Lanzi

Prólogo Barbara Hang – Agustina Muñoz.

TEXTOS DE: Maaike Bleeker, Augusto Corrieri, Bojana Cvejić, Mette Edvardsen, Tim Etchells, Eleonora Fabião, Karin Harrasser, Adrian Heathfield, Bojana Kunst, Silvio Lang, André Lepecki, Juan Francisco Maldonado, Mariana Obersztern, Victoria Pérez Royo, Diana Szeinblum, Ana Vujanović

En la actualidad, el cuerpo se encuentra en el centro del debate, tanto como espacio de control y de reproducción social como de resistencia y transformación. Sobre ese mismo cuerpo y sobre su capacidad para crear realidad orbitan las artes performativas, razón por la que se han convertido en un campo de indagación estética y política fundamental desde que el drama dejó ser el núcleo de la escena para dar lugar a un conjunto de prácticas sensibles cuyo foco de atención se posa sobre el espacio, el tiempo, el movimiento, la percepción y el entorno. La irrupción de este conjunto de experiencias escénicas en las últimas décadas no solo difuminó las fronteras entre las denominadas “artes vivas” (danza, teatro, performance), sino que puso en crisis distinciones tan estructurantes de la experiencia moderna como las que oponían hacer y pensar, investigar y crear, arte y vida cotidiana o actor y espectador.

Los ensayos reunidos en este libro no pretenden establecer un canon histórico ni montar un aparato crítico-interpretativo: tienen como punto de partida la práctica performativa contemporánea y se plantean en su conjunto como un continuo entre la acción y la reflexión. Fueron escritos por artistas provenientes de un amplio arco geográfico (de Brasil a Noruega, del Reino Unido a México, de Argentina a Serbia o España), que al asumir el carácter situado de sus intervenciones se ocupan de temáticas tan urgentes como la precariedad, las corporalidades disidentes, el poshumanismo, la imaginación especulativa o el Antropoceno. Estos textos vienen a corroborar que actualmente los artistas, más que hacer obras, inventan prácticas sensibles que funcionan como protocolos de experimentación orientados a desestabilizar los sentidos y desarmar las convenciones, como una invitación a volver al cuerpo, a pensar desde el cuerpo y con el cuerpo las relaciones con el mundo y el encuentro con los otros.

Carlos Skliar