Prólogo Barbara Hang – Agustina Muñoz.

TEXTOS DE: Maaike Bleeker, Augusto Corrieri, Bojana Cvejić, Mette Edvardsen, Tim Etchells, Eleonora Fabião, Karin Harrasser, Adrian Heathfield, Bojana Kunst, Silvio Lang, André Lepecki, Juan Francisco Maldonado, Mariana Obersztern, Victoria Pérez Royo, Diana Szeinblum, Ana Vujanović

En la actualidad, el cuerpo se encuentra en el centro del debate, tanto como espacio de control y de reproducción social como de resistencia y transformación. Sobre ese mismo cuerpo y sobre su capacidad para crear realidad orbitan las artes performativas, razón por la que se han convertido en un campo de indagación estética y política fundamental desde que el drama dejó ser el núcleo de la escena para dar lugar a un conjunto de prácticas sensibles cuyo foco de atención se posa sobre el espacio, el tiempo, el movimiento, la percepción y el entorno. La irrupción de este conjunto de experiencias escénicas en las últimas décadas no solo difuminó las fronteras entre las denominadas “artes vivas” (danza, teatro, performance), sino que puso en crisis distinciones tan estructurantes de la experiencia moderna como las que oponían hacer y pensar, investigar y crear, arte y vida cotidiana o actor y espectador.

Los ensayos reunidos en este libro no pretenden establecer un canon histórico ni montar un aparato crítico-interpretativo: tienen como punto de partida la práctica performativa contemporánea y se plantean en su conjunto como un continuo entre la acción y la reflexión. Fueron escritos por artistas provenientes de un amplio arco geográfico (de Brasil a Noruega, del Reino Unido a México, de Argentina a Serbia o España), que al asumir el carácter situado de sus intervenciones se ocupan de temáticas tan urgentes como la precariedad, las corporalidades disidentes, el poshumanismo, la imaginación especulativa o el Antropoceno. Estos textos vienen a corroborar que actualmente los artistas, más que hacer obras, inventan prácticas sensibles que funcionan como protocolos de experimentación orientados a desestabilizar los sentidos y desarmar las convenciones, como una invitación a volver al cuerpo, a pensar desde el cuerpo y con el cuerpo las relaciones con el mundo y el encuentro con los otros.

La autora parte de que todos podemos acercarnos a la música. En este proyecto, nos introduce en la historia del arte para la primera infancia como un juego a través de la expresión corporal y la activa participación de los niños.
Este primer contacto con el mundo de la cultura brinda una excelente oportunidad para desarrollar múltiples habilidades y potencialidades: incrementa la capacidad auditiva, visual y expresiva; cultiva la sensibilidad; contribuye a la formación de conceptos; estimula la imaginación, la curiosidad y el pensamiento divergente; ayuda en la formación de hábitos y en el desarrollo del lenguaje corporal, la atención y la memoria. El trabajo con obras de distintos períodos expande los horizontes culturales y educa en la diversidad, la tolerancia y el respeto hacia otras culturas.
En síntesis, en una época donde la creatividad, la adaptación al cambio y la convivencia pacífica son valoradas para el buen desempeño en cualquier área de trabajo, este proyecto brindará a los docentes un valioso aporte.

CONTENIDO:

Capítulo 1
Prehistoria y Antigua Grecia

Capítulo 2
Edad Media y Renacimiento

Capítulo 3
Barroco

Capítulo 4
Clasicismo

Capítulo 5
Romanticismo

Capítulo 6
Impresionismo

Capítulo 7
Nacionalismo en la Argentina. Folclore y tango

Capítulo 8
Producto final: armado de la muestra

Anexo I
Clases abiertas a los padres

Anexo II
Partitura ideográfica de La sinfonía de los juguetes

Anexo III
Contenidos por edad; planeamiento mensual

INTRODUCCION:

El presente libro se propone compartir un proyecto anual de educación musical a través de las épocas históricas, en articulación con obras plásticas. Este se implementó con la participación de todas las salas (desde las de 3 hasta las de 5 años), en las clases de Educación Musical y Expresión Corporal en un jardín de infantes de Zona Norte del Gran Buenos Aires. A lo largo del año lectivo, los alumnos, los padres y los docentes se fueron comprometiendo con él. Se logró tanto entusiasmo y los resultados fueron tan interesantes, que he querido compartirlos. Está dirigido a docentes de sala y, en especial, a profesores de música del nivel inicial.

Los niños ingresan al jardín con cierta experiencia musical, adquirida en sus hogares por influencia del canto de sus padres, la radio, el cine y la televisión. El ritmo es un elemento central que forma parte de la vida misma. Se encuentra presente desde la gestación: los latidos del corazón, el ritmo de la respiración. En todo momento a nuestro alrededor hay ritmo, sonido y movimiento: el taconeo del caminar, el repiqueteo de las llaves, el goteo de una canilla, el soplido del viento, la lluvia, el canto de los pájaros, los motores de los autos. La función del docente de música en el jardín es ampliar las experiencias musicales en forma lúdica por medio del canto, la escucha, la apreciación, la producción sonora. Es importante que los niños disfruten de cada encuentro, no sólo cantando canciones en grupo, sino también escuchando músicas de diversos orígenes y vivenciándolas a través del movimiento y la expresión corporal.

Desde la prehistoria, el hombre puso atención a los ruidos de la naturaleza y buscó la manera de imitarlos, primero con su voz o con su cuerpo (golpes de palmas y pies, chasquidos de dedos y lengua, exploración de las posibilidades sonoras de la voz), y luego creando instrumentos con los distintos materiales que iba encontrando a su alrededor. Así nacieron la música y el canto. También la pintura tuvo sus orígenes en esta época remota como respuesta a la necesidad de trascender. La expresión de los pueblos a lo largo del tiempo nos introduce en la historia de las artes (música, pintura, escultura, danza, literatura y arquitectura).

Trabajar este tipo de conocimientos en el jardín de infantes parecía demasiado ambicioso y difícil de abordar, aunque extremadamente rico e interesante, dado que, cuanto mayor sea la diversidad de la información que brindemos a los niños, mayores serán sus posibilidades de elegir en el futuro. Así fue como la idea se plasmó en un proyecto en el cual se trabajó la historia del arte a través del desarrollo de la música y de la pintura desde la prehistoria hasta el siglo XX.

El Proyecto y su fundamentación
El propósito del Proyecto es trabajar los contenidos específicos del área a través de la articulación entre la música y las artes plásticas en los distintos períodos históricos.
Escuchar con los alumnos una amplia variedad de músicas les ofrece la oportunidad de ampliar sus horizontes y, por medio del interés y la curiosidad, de generar el desarrollo de la observación, el análisis, la sensibilidad y la capacidad expresiva. Por otra parte, el desenvolvimiento artístico del niño evoluciona de manera análoga al de la humanidad. El recurso de las obras de arte pictórico facilita la tarea ya que resulta más fácil la identificación de rasgos visuales que el reconocimiento auditivo de las cualidades propias del mismo período.
Pensar en términos de proyecto, por su parte, permite una enseñanza centrada en los alumnos, que recupera sus saberes previos y hace lugar a sus intereses. Al mismo tiempo, su carácter interdisciplinario favorece la vinculación de los contenidos del área con saberes históricamente relevantes y, simultáneamente, la incorporación del desarrollo de habilidades cognitivas, afectivas y psicomotrices.
A su vez, el Proyecto se plantea incorporar a la comunidad educativa en su conjunto, por lo cual involucra a todos los docentes del nivel, a los padres, a docentes de otros niveles, y a miembros de la comunidad. De este modo, las actividades de la clase de música no quedan aisladas, y se ven favorecidas por la integración del trabajo entre el jardín y las familias. Asimismo, se facilitan las relaciones entre los distintos actores de las comunidades educativa y barrial.
El producto final es una muestra recreativa para niños y padres (que puede abrirse también a la comunidad), en la cual se teatraliza la visita a un museo y ante cada cuadro se realiza una actividad musical a través de la danza o la expresión corporal.

Objetivos generales de la música en el jardín de infantes
Todos los diseños curriculares aluden, de una u otra manera, a los siguientes objetivos, a los cuales contribuye este Proyecto:
Despertar la sensibilidad.
Fomentar la creatividad.
Desarrollar la capacidad auditiva para diferenciar los distintos parámetros del sonido: altura, intensidad, timbre y duración.
Desarrollar la capacidad rítmica.
Descubrir el cuerpo humano como instrumento sonoro y percusivo.
Descubrir los principios sonoros instrumentales.

Objetivos específicos del Proyecto
Apreciar la música como producto cultural de la humanidad.
Sensibilizarse frente a la música y la pintura como hechos artísticos que cambian y evolucionan a lo largo del tiempo.
Conocer el desarrollo de la música, los instrumentos musicales y las artes plásticas a través de las expresiones características de diferentes épocas.
Conocer, respetar, reflexionar y reconocer las principales manifestaciones musicales y plásticas de cada época.
Desarrollar aspectos culturales y creativos a partir del contacto con expresiones artísticas musicales y pictóricas.
Reconocer por medio de lo corporal, expresiones musicales de distintos períodos.
Imitar diferentes estilos pictóricos y musicales.
Adquirir destrezas vocales, auditivas, rítmicas, de comunicación y de expresión.
Utilizar las posibilidades del sonido, la imagen, el gesto y el movimiento para representar ideas, sentimientos y vivencias.
Desarrollar la capacidad de expresarse corporalmente y de improvisar movimientos corporales a partir de diferentes ritmos, melodías y pinturas.
Desarrollar áreas motrices y de expresión corporal acordes con cada edad.
Desarrollar nociones espaciales y temporales.
Fomentar las relaciones interpersonales.

Contenidos del Proyecto
Este incluye todos los contenidos fundamentales de la Educación Musical en el jardín de infantes.
Educación melódica: sonido-silencio, fuente sonora, altura, intensidad, timbre y duración, canciones, ecos y ostinatos melódicos.
Educación rítmica: pulso, ritmo, acento, ecos y ostinatos rítmicos.
Apreciación: carácter de la música, parámetros sonoros, tema melódico y tema rítmico.
Educación vocal: entonación, respiración, expresividad de la voz.
Destreza instrumental: reconocimiento, utilización para marcar los elementos fundamentales del ritmo y construcción.
Movimiento expresivo y rítmica corporal: expresión corporal, movimientos corporales, desplazamientos y juego con elementos.

«Fluxus es lo que Fluxus hace, pero nadie sabe quién lo ha hecho.» Emmett Williams

Desde que George Maciunas utilizó el concepto en 1962 para una “revista internacional de arte y anti-arte, música y anti-música, poesía y anti-poesía”, Fluxus designa un ejercicio de iconoclasia contra el conjunto de convenciones y consensos de la tradición artística. Zona de encuentro a escala mundial de artistas experimentales, Fluxus es un fenómeno poroso que carece de una membresía estricta y de un programa prescriptivo que no sea darle la espalda a los procedimientos del arte profesional, para lanzarse a la disolución radical de las fronteras entre arte y vida y reconquistar el poder metafórico de los eventos cotidianos.

Fluxus experimenta con las formas y encuentra en el terreno intermediático y colectivo una expresividad original, más efímera, lúdica y minimalista que solemne y tendenciosa. Tanto un happening como una serie de instrucciones para realizar una performance pueden ser una obra Fluxus, así como un poema que viaja por correo o un concierto de discos rotos. Para Fluxus, el movimiento de los consumidores en un supermercado puede ser entendido como danza, así como el acto de cepillarse los dientes cada mañana en soledad frente al espejo puede ayudar a formular una pregunta ontológica: se busca llamar la atención sobre aquello que no tenía una motivación artística y que sin embargo se redescubre como una manifestación insospechada de arte.

Fluxus escrito. Actos textuales antes y después de Fluxus contiene textos producidos por muchos de quienes pertenecieron al anti-movimiento, como Yoko Ono, Allan Kaprow, La Monte Young o Robert Filliou, pero también por artistas próximos a su modo de acción, provenientes de otros contextos y geografías, y que se vincularon al grupo de modo tangencial, como Marta Minujín, Roberto Jacoby, Edgardo Antonio Vigo o el colectivo Zaj. Entre la teoría y la práctica, este libro es una herramienta clave para descubrir la originalidad crítica de un período nunca concluido de la historia del arte contemporáneo.

Animal es la videncia plástica que se crea en la conjunción de cinco miradas: Alfonso Delgadillo – Mónica Galván – Elisa Zertuche – Luis Frías – Natalia Domínguez.

La vida se sustenta en el territorio del silencio plagado de seres cuyo enigma discurre entre lo perverso y la nobleza: cómplices, acechantes, espías, testigos… el animal se manifiesta en su más variada condición y su figura nos es misterio recurrente.

Su representación en piedra fue probablemente anterior a la del propio hombre. Destino de hombre y animal ha sido enlazado desde lo más remoto dilucidable. El alma perenne del animal acompaña al hombre… figuras errantes designadas a vivir juntas por siempre bajo el mismo cielo. Creemos saber lo que «animal» fue antaño… ¡qué es ahora «animal»?

Animal aparece como una idea que se forja desde la naturalidad utópica hasta lo sagrado y lo profano, pasando por la pureza instintiva, la presencia sombría y la contemplación primitiva.