Artes visuales – Acentto – Viña del Mar

El tiempo es lo único que tenemos

Rosario — Thu, 28 Jul 2022 20:18:23 +0000

Actualidad de las artes performativas

Prólogo Barbara Hang – Agustina Muñoz.

TEXTOS DE: Maaike Bleeker, Augusto Corrieri, Bojana Cvejić, Mette Edvardsen, Tim Etchells, Eleonora Fabião, Karin Harrasser, Adrian Heathfield, Bojana Kunst, Silvio Lang, André Lepecki, Juan Francisco Maldonado, Mariana Obersztern, Victoria Pérez Royo, Diana Szeinblum, Ana Vujanović

En la actualidad, el cuerpo se encuentra en el centro del debate, tanto como espacio de control y de reproducción social como de resistencia y transformación. Sobre ese mismo cuerpo y sobre su capacidad para crear realidad orbitan las artes performativas, razón por la que se han convertido en un campo de indagación estética y política fundamental desde que el drama dejó ser el núcleo de la escena para dar lugar a un conjunto de prácticas sensibles cuyo foco de atención se posa sobre el espacio, el tiempo, el movimiento, la percepción y el entorno. La irrupción de este conjunto de experiencias escénicas en las últimas décadas no solo difuminó las fronteras entre las denominadas “artes vivas” (danza, teatro, performance), sino que puso en crisis distinciones tan estructurantes de la experiencia moderna como las que oponían hacer y pensar, investigar y crear, arte y vida cotidiana o actor y espectador.

Los ensayos reunidos en este libro no pretenden establecer un canon histórico ni montar un aparato crítico-interpretativo: tienen como punto de partida la práctica performativa contemporánea y se plantean en su conjunto como un continuo entre la acción y la reflexión. Fueron escritos por artistas provenientes de un amplio arco geográfico (de Brasil a Noruega, del Reino Unido a México, de Argentina a Serbia o España), que al asumir el carácter situado de sus intervenciones se ocupan de temáticas tan urgentes como la precariedad, las corporalidades disidentes, el poshumanismo, la imaginación especulativa o el Antropoceno. Estos textos vienen a corroborar que actualmente los artistas, más que hacer obras, inventan prácticas sensibles que funcionan como protocolos de experimentación orientados a desestabilizar los sentidos y desarmar las convenciones, como una invitación a volver al cuerpo, a pensar desde el cuerpo y con el cuerpo las relaciones con el mundo y el encuentro con los otros.

Tejedoras: Generaciones reunidas. Evolución de la Creatividad entre los Mayas de Chiapas

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 20:17:20 +0000

El arte textil permanece como uno de los más fuertes valores de identidad de los pueblos mayas, en especial de los Altos de Chiapas, aunque durante siglos fueron muy poco estudiados los procesos de su aprendizaje y transmisicón de conocimientos entre generaciones. En este innovador estudio conducido por la doctora Patricia Marks Greenfield, quien junto con su equipo universitario de trabajo visitó por primera vez la comunidad zinacanteca de Navenchauc en 1969 y 1970, con visitas de retorno hasta la fecha, se relatan las experiencias interculturales entre la autora, la fotógrafa Laura Greenfiel, su hija. sus colaboradores y el casi ignorado mundo del sector femenino de este pueblo tsotsil, desconocido incluso para los varones zinacantecos, quienes ahora pueden leer con admiración lo que se valora en esta obra. Resultan sorprendentes la complejidad e importancia del enorme trabajo y habilidades que implica el arte del tejer en telar de cintura, sus lenguajes estéticos y la inteligencia creativa de las mujeres tsotsiles, capaces de adaptarse con éxito a los avasallantes cambios de la sociedad moderna, sin por ello perder su papel femenino, la tradición de sus ancentros y la preservación de su identidad. El libro contiene bellas fotografías que añaden colorido al corpus de esta obra.

Colores Nativos

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 20:20:40 +0000

Colores nativos para diseñar, de Mónica Cornejo, Marinella Bustamante y Ana María Iglesias, es una investigación centrada en el oficio del teñido textil, ejemplificado aquí con el trabajo de las Hilanderas de Colliguay, Región de Valparaíso. Con ellas se indaga en el saber ancestral de la tintorería y en el rescate del color del territorio, a través de la relación con la flora nativa del lugar. Esta publicación, escrita por tres diseñadoras está orientada, principalmente, a especialistas y estudiosos del color y del quehacer textil en sus diversas expresiones. Colores nativos para diseñar es un aporte fundamental en la metodología de investigación para la temática de la coloración. La presente publicación fue una de las obras premiadas en el Primer Concurso Académico de la Universidad de Valparaíso.

Mónica Cornejo Lacroix (1950, Viña del Mar) Diseñadora Industrial mención Textil de la Universidad de Chile, Valparaíso. Se desempeñó como docente en la Escuela de Diseño de la Universidad de Valparaíso entre los años 1970 y 2011, en el área de procesos textiles de coloración. Ha dictado cursos en la Universidad de Cuyo, Mendoza y en el Centro Superior de Moda, dependiente de la Universidad Politécnica de Madrid, España. Publicó en el año 2005 el libro Isla de Pascua: de la imaginería al diseño de estampados (Universidad de Valparaíso).

Marinella Bustamante Morales (1966, Valparaíso) Diseñadora mención Textil de la Universidad de Valparaíso, Magíster en Gestión Cultural mención Patrimonio de la Universitat de Barcelona. Su actividad profesional la ha realizado en el diseño de vestuario teatral, docencia e investigación y se ha especializado en la coloración textil. Académica titular de la Escuela de Diseño de la Universidad de Valparaíso. Pertenece al Comité Nacional de Conservación Textil CNCT.

Ana María Iglesias Daveggio (1966, Valparaíso) Diseñadora mención Textil y Magíster en Diseño Estratégico de la Universidad de Valparaíso. Su actividad profesional la ha realizado en el ámbito de las asesorías en Diseño a pequeños y medianos empresarios, docencia, gestión académica e investigación. En esta última área, la investigación, ha profundizado en la coloración textil. Académica titular de la Escuela de Diseño de la Universidad de Valparaíso. Profesora del Laboratorio de Tintorería de la Escuela de Diseño, desde el año 2004 a la fecha.

Michael Jackson. Artes visuales y símbolos

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 21:18:31 +0000

La maestría visual de Michael Jackson (1958-2009) constituye un pilar fundamental en su carrera y su impacto es enorme sobre muy diversos artistas plásticos desde los ochenta hasta ahora, a tal punto que se convirtió en referente de varios, quienes no dudaron en trabajar a partir de su icónica figura: Andy Warhol, Jeff Koons, Rufino Tamayo, Yasumasa Morimura, Marc Quinn, Paul McCarthy, David LaChapelle, Glenn Ligon, Gary Hume, Kehinde Wiley, Zou Cao y Yang Mian, entre muchos otros. Los límites entre las artes son hoy a tal punto difusos que, en mi opinión, por ejemplo, no hay demasiadas diferencias entre el análisis de una videoinstalación de Bill Viola o de un clip del Rey del Pop (como el excelente Scream). En resumen, este escrito evidencia cómo los lenguajes visuales se nutren unos a otros, vinculando a Michael Jackson con un retablo medieval, con un retrato de Luis XIV, con una pintura de René Magritte, con esculturas de Koons, McCarthy y Quinn, con una performance de Ai Weiwei, con un animé de ciencia ficción japonés y con el androide C-3PO entre otras imágenes, todas las cuales testimonian la afirmación de Marcel Duchamp: ?El arte es un juego entre todos los hombres de todas las épocas

CONTENIDO:

Prefacio

I. Vínculos «reales». Una estética concebida a partir de retratos y uniformes «regios»
II. Jackson en vivo, la simbología de la luz. Billie Jean:ego sum lux mundi
III. El Rey del Pop entre la porcelana y el carbón: Jeff Koons vs. Paul McCarthy
IV. Rufino Tamayo: el «escenario» pictórico. El rockanrolero
V. «El grito» de Jackson: más que un guiño a la historia del arte
VI. Zou Cao: Jackson sometido a la estética del palimpsesto y la dactiloscopia
VII. Marc Quinn y Gary Hume: la metamorfosis del hombre frente al espejo
VIII. La hagiografía: el tríptico de David LaChapelle
IX. Kehinde Wiley: Jackson «después» de Rubens

Anexo
Bibliografía
Índice de nombres
Agradecimientos

La fuerza del arte

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 21:19:04 +0000

Nunca antes el arte había sido más visible, más presente y más decisivo que hoy, y nunca había sido, al mismo tiempo, en tal magnitud parte de los procesos sociales: una mercancía, un entretenimiento, una opinión, un conocimiento, una acción. La omnipresencia social del arte va de la mano con la creciente pérdida de aquello que podemos llamar su fuerza estética.’Fuerza’ -a diferencia de nuestra ‘potencia racional’- aquí se refiere al estado inconsciente, lúdico, entusiasta, sin el cual no puede haber arte alguno. La reflexión filosófica sobre este estado lleva a Christoph Menke a la determinación de categorías estéticas -obra de arte, belleza, juicio- y a la proyección de una política estética, es decir, de una política de la libertad de lo social y de la igualdad sin determinación.

Fluxus escrito

Rosario — Fri, 22 Jul 2022 19:53:17 +0000

TEXTOS DE: George Brecht, Eduardo Costa, Walter De María, Esther Ferrer, Robert Filliou, Simone Forti, Graciela Gutiérrez Marx, Juan Hidalgo, Dick Higgins, Roberto Jacoby, Ray Johnson, Nam June Paik, Allan Kaprow, Milan Knížák, Július Koller, George Maciunas, Oscar Masotta, Larry Miller, Marta Minujín, Roberto Morris, Pauline Oliveros, Yoko Ono, Benjamin Patterson, Mieko (Chieko) Shiomi, Edgardo Antonio Vigo, Wolf Vostell, La Monte Young, Robert Watts

«Fluxus es lo que Fluxus hace, pero nadie sabe quién lo ha hecho.» Emmett Williams

Desde que George Maciunas utilizó el concepto en 1962 para una “revista internacional de arte y anti-arte, música y anti-música, poesía y anti-poesía”, Fluxus designa un ejercicio de iconoclasia contra el conjunto de convenciones y consensos de la tradición artística. Zona de encuentro a escala mundial de artistas experimentales, Fluxus es un fenómeno poroso que carece de una membresía estricta y de un programa prescriptivo que no sea darle la espalda a los procedimientos del arte profesional, para lanzarse a la disolución radical de las fronteras entre arte y vida y reconquistar el poder metafórico de los eventos cotidianos.

Fluxus experimenta con las formas y encuentra en el terreno intermediático y colectivo una expresividad original, más efímera, lúdica y minimalista que solemne y tendenciosa. Tanto un happening como una serie de instrucciones para realizar una performance pueden ser una obra Fluxus, así como un poema que viaja por correo o un concierto de discos rotos. Para Fluxus, el movimiento de los consumidores en un supermercado puede ser entendido como danza, así como el acto de cepillarse los dientes cada mañana en soledad frente al espejo puede ayudar a formular una pregunta ontológica: se busca llamar la atención sobre aquello que no tenía una motivación artística y que sin embargo se redescubre como una manifestación insospechada de arte.

Fluxus escrito. Actos textuales antes y después de Fluxus contiene textos producidos por muchos de quienes pertenecieron al anti-movimiento, como Yoko Ono, Allan Kaprow, La Monte Young o Robert Filliou, pero también por artistas próximos a su modo de acción, provenientes de otros contextos y geografías, y que se vincularon al grupo de modo tangencial, como Marta Minujín, Roberto Jacoby, Edgardo Antonio Vigo o el colectivo Zaj. Entre la teoría y la práctica, este libro es una herramienta clave para descubrir la originalidad crítica de un período nunca concluido de la historia del arte contemporáneo.

El dibujo en apoyo a la comprensión y el razonamiento en la escuela

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 19:09:25 +0000

Desarrollar competencias estimulando la imaginación y la creatividad a través del dibujo es posible, con una práctica sistemática que sin duda aumenta el nivel de retención y recuperación de los contenidos, incrementando el lenguaje oral, la coherencia de escritos para lograr razonamientos matemáticos con una mejor comprensión para el niño y además concluir con una obra de Arte de gran significado para los alumnos”.

Textos sobre arte

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 21:16:43 +0000

Este esperado libro recoge una parte crucial e inexplorada en la faceta de crítico de arte que Enrique Lihn cultivó desde que tenía poco más de veinte años hasta su muerte, en 1988. Aqui se refiere a temas relativos al arte chileno –desde los maestros precursores hasta la llamada Escena de Avanzada–, pero también a muestras de autores extranjeros realizadas en el país o a sus propias intervenciones teóricas o performáticas.Se trata de sesenta y cinco textos ásperamente críticos, en ocasiones amargos y en todo caso muy poco complacientes, en los que no están ausentes la polémica ni la prioridad de imponer por sobre todo un juicio agudo y certero. Así, uno de los más grandes poetas latinoamericanos de la segunda mitad del siglo veinte vierte su enorme caudal intelectual en torno a las imágenes de Chile, a la vez que propone su definitoria teoría y práctica contracultural, de la que su acción de arte Adiós a Tarzán es acaso el ejemplo más contundente.

Fuera del cubo blanco. Lecturas sobre arte público contemporáneo

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 21:31:03 +0000

Este libro detalla las distintas concepciones de arte público, analizando a su vez las obras más significativas desde los años sesenta hasta hoy día, para finalmente indagar en la relación entre arte y ciudad en el Chile actual.

Visual Art: John Cage en conversación con Joan Retallack

Webmaster — Wed, 15 Dec 2021 21:18:31 +0000

«Me vi obligado a encontrar una manera radical de trabajar – llegar a lo real, a la raíz del asunto» dice John Cage en este trío de diálogos finalizados apenas unos días antes de su muerte en 1992. Su búsqueda lo llevó más allá de los límites de lo convencional en toda su obra musical, escrita y visual. La expansión resultante de la definición de arte, con un énfasis añadido en innvación e invención, le hizo ganarse una reputación como uno de los artistas norteamericanos más influyentes. Las conversaciones de Joan Retallack con Cage representan la primera consideración completa de su producción artística, atravesando disciplinas, brindándonos nuevos esclarecimientos de su pesona y una visión más completa del estado del arte en el siglo veinte.

CONTENIDO:

Presentación

Introducción:
-John Cage: realista complejo, o sea, vanguardista pragmático utópico
-John Cage: más allá de la ironía, mago de los recursos
-John Cage: «clinamen»
-John Cage: humorista
-John Cage: paradoja recobrada
-John Cage: extático
-Paradoja ahora
-John Cage: silencio
-Notas

Loft de Cage en Nueva York, 21-23 de octubre de 1991: John Cage y Joan Retallack