“Aunque a nadie le importe mucho, ser compositor o intérprete es una manera de estar en el mundo, es hacer preguntas y buscar respuestas, es tratar de existir y resistir, es dudar y cuestionar. También es un modo de ejercer el derecho a la libertad, y por ende, un acto de rebeldía.”  Graciela Paraskevaídis

Índice de contenidos

Introducción, por Omar Corrado 9

El grito en el cielo, por Cergio Prudencio 15

Entre lo propio y lo ajeno. La compositora latinoamericana Graciela Paraskevaídis, por Max Nyffeler 19

Símbolo y resistencia:el trabajo compositivo de Graciela Paraskevaídis, por Thomas Beimel 31

La música para piano de Graciela Paraskevaídis, por Daniel Áñez 55
Materialidad sonora y “desarrollo estático” en magma VII de Graciela Paraskevaídis, por Osvaldo Budón 63

Sendas cortantes, cantables. Aproximaciones a sendas (1992) para siete instrumentos de vientos y piano de Graciela Paraskevaídis, por Wolfgang Rüdiger 71

“…vivir tan hondo…”. Humanismo y militancia en y por el sonido. Una interpretación de los recursos compositivos y expresivos en la música de Graciela Paraskevaídis a partir del análisis de cuatro obras
con participación de la voz, por Natalia Solomonoff 85

“…altre voci e risvegli…”. Las obras corales de Graciela Paraskevaídis sobre poemas de Cesare Pavese, por Omar Corrado 105

Apuntes (auto) biográficos (a la manera de Silvestre Revueltas y Juan Carlos Paz), por Graciela Paraskevaídis 123

Catálogo de obras de Graciela Paraskevaídis 127
Discografía de Graciela Paraskevaídis 131
Textos de Graciela Paraskevaídis 135
Bibliografía sobre Graciela Paraskevaídis 143
Índice temático 147

Existió un rock británico, incluso inglés? Uno qué consistiera en algo más que la mera acumulación de bandas bajo una geografía común. Que hablara en una lengua musical con inflexiones propias, a respetable distancia de las influencias norteamericanas que dominaban el pop. Que cultivara una idiosincrasia particular, una identidad nacional. De ser así, ¿cuándo inició este proceso? ¿Qué papel cumplió en él la música progresiva?
Este segundo volumen de la Historia social del rock progresivo británico procura responder a estos interrogantes. Comienza con la transformación del revival folk en rock. Y continúa con los mecanismos que hicieron de cierto pop británico de mediados de los sesenta, Beatles de por medio, una fuerza de proporciones inconmensurables. En el camino redescubre las tradiciones olvidadas del music hall y la balada callejera, la pantomima y los números de variedades, el obstinado afán inglés por aferrarse a todo aquello que estuviera pasado de moda. Y convoca una dialéctica entre modernidad y nostalgia cuyos términos, lejos de ser contrarios, se confabulan para urdir la trama que tejerá el rock progresivo posterior.
También rastrea las vicisitudes de un subgénero inspirado en las intuiciones geniales de la Incredible String Band, otro producto de aquella época fértil en experimentos felices. Y acaba en la confluencia de dos corrientes, el folk y el prog, que durante algún tiempo parecieron transitar por carriles separados. Concluye con un par de síntesis de largo alcance, los universos sonoros prodigiosos de Genesis y Jethro Tull, cuya reflexión sobre una Englishness escurridiza configuraría el imperativo categórico de ambas bandas.

Índice de contenidos

Introducción 13

Primera parte: Antes del prog 25

Capítulo 1. Canary in a Coalmine: Las metamorfosis del Revival y la invención de una folksong industrial 27
1. La trilogía teatral de Arnold Wesker 27
2. La joven guardia golpea a las puertas del Segundo Revival Folk 29
3. La estética del Frente Popular 33
4. Excursus sobre el Primer Revival Folk 35
5. Cecil Sharp: Ideología de la reapropiación de la folksong 39
6. The Singing Englishman 43
7. Redescubrimiento de la canción proletaria 47
8. El Festival de Gran Bretaña 50
9. El fantasma de la americanización 53
10. La influencia de Alan Lomax y las Radio Ballads 56
11. La sangría del PC británico y los pasos posteriores de Lloyd y MacColl 58
12. Ambigüedades del Revival 61
13. Síntesis ambivalente entre modernidad y nostalgia 65

Capítulo 2. How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb: Del segundo Revival al folk barroco, o Canciones para jóvenes sobrevivientes 68
1. Bob Dylan en Inglaterra 68
2. The Times They Are A-Changing’ 71
3. Donovan: La primera estrella del folk británico 74
4. El libro de canciones de Paul Simon 75
5. Un diamante pulido por la magia comercial de la electricidad 78
6. El silencio que crece como un cáncer 80
7. El carnaval de la temporada antinuclear 87
8. Davy Graham: pionero del folk barroco 90
9. La trágica historia de Jackson C. Frank 95
10. La transformación del Revival hacia 1965 101
11. Pentangle: Folk con swing (y algo más) 105
12. El rock progresivo como la nueva música folk 110

Capítulo 3. All Our Yesterdays: Beatles, Stones, music hall, comedy songs o la nostalgia en clave modernista 113
1. Beatles vs. Stones 113
2. Revolution in the air? 118
3. Contradicciones del Street Fighting Man 120
4. El éxodo de la niebla psicodélica y la nueva ortodoxia rockera 124
5. McCartney recupera la herencia del music hall 130
6. Lennon conjuga el verbo psicodélico en primera persona del singular 135
7. Gira mágica y misteriosa: un pasado preñado de futuro 138
8. Correr, saltar, quedarse inmóvil: El humor estrafalario de The Goons 141
9. Contra el influjo insidioso del Establishment 145
10. The Temperance Seven: Siete abstemios que en realidad eran nueve 148
11. Bonzo Dog Band: del dadaísmo trad a la sátira pop (art) 150
12. La clase obrera (no) va al paraíso 154
13. Rolling Stones: De la infatuación con el blues a un pop que se atreve a decir su nombre 156
14. El disco vaudeville de los Stones 161

Capítulo 4. There’ll Always Be an England: En busca de una lengua vernácula en el pop inglés de los sesenta 164
1. George Orwell y la idiosincrasia inglesa 164
2. Tres bandas mod en los salones de music hall 166
3. Continuidades en el entretenimiento popular británico 171
4. 1867 un siglo después 175
5. The Song Remains the Same 179
6. En busca de la comunidad perdida 182
7. La feria de las vanidades 187
8. El obstinado afán inglés por aferrarse a aquello que ha pasado de moda 190
9. Modernismo: La otra cara de la moneda 194
10. Pop de juguete 195
11. El primer Bowie: el falso anacronismo como comentario social oblicuo 199
12. The Kinks: La apoteosis de lo obsoleto 202
13. Una lengua propia: Hablar en inglés sin acento americano 207

Segunda Parte: Del Acid al Progressive Folk 213

Capítulo 5. Be Glad for the Song Has No Ending: The Incredible String Band o la tonalidad bajo amenaza extrema 215
1. ¿Más grandes que The Beatles y The Rolling Stones? 215
2. Tres soñadores sueñan sueños aún por nacer 218
3. Todas las músicas del mundo 221
4. Genuinamente auténticos en una época obsesionada por la autenticidad 222
5. Una estructura inusual de la canción 224
6. La suspensión de las reglas hasta nuevo aviso 228
7. Antecedente indirecto del progresivo 229
8. Una lírica tan sibilina como milagrosa 232
9. Una abigarrada telaraña de influencias 234
10. Del Oppositional Self al Inner Self 239
11. La manzana envenenada de la Cienciología 240

Capítulo 6. Strangely Strange but Oddly Normal: La estación del acid folk en el despuntar de los setenta 244
1. Un (sub)género inclasificable 244
2. Dr. Strangely Strange: Un trío de freaks muy avispados 249
3. Psicodelia crepuscular con credenciales de art school 254
4. Forest: Música del ocaso 256
5. Tea & Symphony: Un espíritu caótico meticulosamente planeado 260
6. The Sun Also Rises: La oscuridad de un sonido prístino 264
7. El carácter liminar del folk ácido 267
8. Chris Thompson y cía: Folk barroco con ragas indias 272
9. Inflexiones ácidas en singer-songwriters 274
10. Dreaming with Alice: Una gema perdida del mejor acid folk 275
11. El año en que todo parecía posible 278
12. COB: La consagración del anacronismo 281

Capítulo 7. Crisis? What Crisis?: Transfiguración del folk progresivo tras la agonía de la contracultura 285
1. “Si no estás ocupado naciendo, estás ocupado comprando” 285
2. El último clavo en el ataúd de la contracultura 287
3. Comus: ese extraño folk de cámara crispado, casi maníaco 290
4. Spirogyra: Una respuesta filosófica a un nuevo sentido de desesperanza 293
5. Jan Dukes de Grey: Free Folk psicodélico de indudable ascendencia progresiva 298
6. Las reglas del singer-songwriter puestas de cabeza 301
7. Una música tan antigua como las colinas 306
8. Mellow Candle: En busca de la canción perfecta 311
9. Trees: Una fascinante masa de contradicciones 314
10. La clase incorrecta de (folk) progresivo 318
11. La extinción de los fondos educativos 321
12. El refugio en las ediciones privadas 324
13. En algún oscuro paraje del pasado remoto 327
14. Un pretérito idílico cargado de funestos presagios 329

Capítulo 8. England’s Green and Pleasant Land?: Englishness, pastoralia y crítica social en el primer Genesis 333
1. Una educación de elite 333
2. Esa facilidad de la lengua inglesa inspirada en la fe anglicana 339
3. Un mundo abandonado de la mano de Dios 344
4. Too posh for rock’n’roll? 349
5. Una pastoralia de ribetes desconocidos 352
6. La búsqueda imposible del acorde perfecto 355
7. ¿La elegía de una Inglaterra que ya no existe? 362
8. Una obstinación rayana en la epopeya 367
9. La primacía de la canción 369
10. Un grupo de story-tellers empeñados en aggiornar la herencia oral 373

Capítulo 9. It was a new day yesterday, but is an old day now: Jethro Tull y el tiempo recobrado 375
1. Una ética protestante del trabajo 375
2. Orígenes en la incestuosa escena de Blackpool 382
3. Un instinto infalible para los principios y los finales 385
4. La forma de las cosas por venir 388
5. Una banda destinada al éxito 390
6. Un disco de riffs sinuosos y angulares 393
7. El tren de un progreso a punto de descarrilar 397
8. La parodia de un álbum conceptual 401
9. ¿Tiempo de volver atrás? 406
10. Too Old to Rock’n’Roll? 411
11. Un repertorio completo de las variaciones entre lo acústico y lo eléctrico 413
12. Los ritmos olvidados de la comunidad rural 415
13. La sensación de un cataclismo inminente 418

Discografía 423
Bibliografía 429
Índice onomástico 438

¿Estaremos todavía a tiempo de meterle otro ritmo a la res publica con un presidente músico?»

*Es traductor y narrador. Como piloto de ultramar navegó por el Atlántico, el Pacífico, el Mar del Norte y el Báltico. Se dedicó posteriormente al periodismo cultural. Publicó notas sobre música y literatura en las revistas.

Edición y notas de Radamés Giro.

CONTENIDO:

Prólogio, Alejo Musical, por Graziella Pogolotti
Nota editorial, por Silvana Garriga

De la música cubana
De la música cubana en París
De los conciertos
De los músicos

Apéndice
Bibliografía
Índice de nombres
Índice general

La tendencia a reducir el rock progresivo a su variante sinfónica, que adalides entusiastas y detractores acérrimos comparten por igual, promueve una mirada sesgada, ajena a las sutilezas de la historia y restringida a unos pocos esquemas formales derivados de la tradición clásica de la música culta que no le hacen justicia a la compleja metamorfosis que caracterizó el escenario musical británico de los primeros años setenta. La eclosión, apogeo, apoteosis y estertor de la música progresiva pertenecen a un período mucho menos luminoso y bastante más recesivo que el de aquellos años sesenta tan venerados por muchos como la era dorada del rock. Un tiempo diferente que al promediar la década siguiente sumirá a Europa en una perplejidad que adquirirá una inflexión casi apocalíptica.
Este primer volumen parte del análisis de un par de discos seminales que aparecieron en el verano de 1967: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de The Beatles y The Piper at the Gates of Dawn, de Pink Floyd. Las múltiples transformaciones que sufre el rock progresivo hasta su decadencia y su pérdida de influencia comienzan con la transición de la psicodelia al prog hacia 1967 y 1968. A partir del año siguiente surge un underground de sonido más urgente y enrarecido, lejos del optimismo de aquel verano del amor, que sienta las bases del prog inicial. Las relaciones peligrosas entre música pop y orquestas sinfónicas de fines de los sesenta (Procol Harum, The Moody Blues y The Nice) constituyen una de sus consecuencias. Otra consiste en el surgimiento de una contracultura hippie en la zona de Notting Hill y en sus derivaciones en el circuito de los free festivals. Finalmente tres ensayos extensos abordan algunas de las bandas más populares del género: Yes, Pink Floyd y Emerson, Lake & Palmer.
Erudito y ameno a la vez, este libro es una invitación a conocer en profundidad un período clave de la música popular del siglo XX.

Índice de contenidos

Prólogo. Abel Gilbert 9
Prefacio 15
Introducción 21

Primera parte 29
Capítulo 1. Del Pepper al Piper y (un poco) más allá 31
Capítulo 2. Good Day Sunshine: El rock después de Sgt. Pepper o el estadio luminoso de la psicodelia 56
Capítulo 3. It’s the End of the World as We Know It: Underground UK modelo 69 92
Capítulo 4. Orchestral Manoeuvres in the Dark: El futuro imperfecto del sinfopop 117
Capítulo 5. Nothing’s gonna change my world: Notting Hill, community bands y la política de la contracultura 152

Segunda parte 191
Capítulo 6. Hanging on in quiet desperation: Pink Floyd y la vía inglesa al declinismo 193
Capítulo 7. Yessongs: El formato extendido de la canción pop 233
Capítulo 8. Information Overload Unit: Tecnologías del prog, el caso límite de Emerson, Lake & Palmer 269
Capítulo 9. Free your mind (and your ass will follow): El circuito de los Free Festivals durante los setenta. apogeo y caída de la contracultura 310

Coda 355

Discografía 362
Bibliografía 368
Índice onomástico 373

ANDREA ÁLVAREZ MUJICA es periodista y escritora. Autora de la novela Los novios muertos (Hormigas Negras, 2016) y del libro de crónicas y entrevistas Horas de rock (Hormigas Negras, 2017). “El periodismo de rock —dice— es un subgénero en etapa de invención y eso resulta estimulante ya que es posible que existan bifurcaciones inexploradas. En cuanto a las novelas, pensar sus estructuras es puro placer. Leer novelas literarias ha sido mi actividad intelectual más constante desde los catorce años; escribir y leer novelas: la danza inmóvil de las hormigas negras”.

Acotaciones
Por Andrea Álvarez Mujica

Escribí El Atajo en el año 2010, en una tarde de inspiración y placer en la que todos los párrafos fluyeron como si me los estuvieran dictando. Los cambios que le hice, posteriormente, fueron mínimos. No tengo muchas tardes como esa, la mayoría de las veces escribo por adicción, disciplina o necesidad.

Fervor por Television es una típica crónica de show, con la lista de temas, los comentarios sobre el sonido y la actitud del público. La crónica de show es un subgénero más difícil de lo que parece, los shows son para vivirlos, bailar y tomar cerveza, contar la experiencia puede resultar insulso y hacer una crítica objetiva puede ser inapropiado. Esa primera presentación de Television en Buenos Aires fue un acontecimiento estimulante y espero haber logrado trasmitirlo.

Luca en la Trinchera es un texto espontáneo, sin filtros, lo escribí de un tirón y sin puntuación. Después agregué las comas y puntos, pero algo de ese ritmo entero con el que surgió, creo que perdura.

Escribí Defectos irresistibles en base al libro Madre, hermano, amante, de Jarvis Cocker. Disfruté de hacerlo; volver a leer el libro, escuchar las canciones y ver fragmentos de shows y documentales. Trabajar en base a un libro requiere de cierto esfuerzo intelectual, hay que reinterpretarlo, pero mantenerse relativamente dentro de lo que el libro dice, no volarse del todo.

El Fuego de Lou Reed es otro de mis textos que surgió entero y su primera versión es casi igual a la última, con mínimas modificaciones. Cuando me enteré de la muerte de Lou Reed le escribí a mi editor para proponerle la nota. Necesitaba hacer un rito de despedida, decir algo como deudo, como parte de los tocados por la pérdida. Trabajé hasta tarde y logré entregar el material esa misma noche.

Cuando empecé a escribir Historias de shows me sentí tan cómoda y feliz que pensé que podía quedarme seis meses trabajando en ese material, ampliarlo, llevarlo a ciento veinte páginas, desprenderlo de Horas de Rock y convertirlo en un material autónomo. Decidí no hacerlo, no explotarlo al máximo. La idea del texto surgió en una caminata hacia Tecnópolis con una chica y un chico que acababa de conocer. Un rato antes me había bajado en una intersección desolada y un florista me había indicado hacia dónde quedaba el predio. Luego aparecieron el chico y la chica, apurados, flacos, con sus remeras y jeans oscuros y las zapatillas sucias. Se acercaron a preguntarme el camino y juntos nos metimos en esa boca de lobo que supuestamente nos conducía hacia el escenario en el que iban a tocar primero The Libertines y luego Iggy Pop. Mientras avanzábamos en la total oscuridad, para entretenerlos, empecé a contarles historias de shows.

Pablo Martín, guitarrista de Tom Tom Club: Canciones que desafían la lógica. Cuando mi editor me propuso la nota me entusiasmé de inmediato. Aunque no conocía a Pablo, me alcanzaba con saber que era el guitarrista de TTC. El álbum DOWNTOWN ROCKERS había salido hacía poco y antes de ir a la entrevista lo estuve escuchando. Nos encontramos en El Federal y la pasamos bien. Pablo es franco y chispeante. Después descubrí todo su talento y la efervescencia creativa que le permite estar en proyectos tan distintos como los Du-Rites y Lulu Lewis.

Disfruto mucho de hacer entrevistas. En especial del trabajo de edición. Elegir una frase del entrevistado para completar el título es uno de mis momentos favoritos. Para La Vuelta de El Vértice, opté por la oración de Gigio —“Me gusta hacer de lo cotidiano algo eterno” —; porque sintetiza el poder de su poética. Gigio es un letrista excepcional. Parece tener una fuente inagotable de la cual saca melodías y versos, sin dificultad.

Los Pillos, el sonido de una época. Hice la entrevista con Yansón y Aloé un mediodía del año 14, en el primer piso del bar Biblos. Aunque no nos conocíamos fue como un encuentro de amigos, una charla sincera y reveladora. Me impactó gratamente la valorización que tienen por la amistad, el cuidado con el que abordaron el pasado y la lealtad a los ideales juveniles.

Inicié la nota Horacio Gamexane Villafañe, un guitarrista endemoniado después de ver fragmentos de un documental en el que Gamex desarrollaba ideas polémicas. Verlo en el documental me motivó. Recordé los encuentros en el jardín de Ave Porco a finales de los 90. Las conversaciones inconclusas que teníamos en ese patio entre edificios, donde nos veíamos por azar, los jueves de madrugada. Supe desde el principio que podía hacer una nota divertida, pero tomé otro camino, decidí mostrar su inquietud y su inconformismo.

Palo Pandolfo: “El arte es una batalla contra el miedo”. Hacía años que no veía a Palo. ¿Desde las presentaciones de Los Locales en La Luna, allá por los 90? ¿O la última vez había sido en este siglo, en el vestíbulo de un teatro donde hablamos sobre los hijos? Como fuera, lo encontré muy lúcido y libre y en ese rato, en el que tomamos te de rosas o de frutos rojos, se creó un clima íntimo, aunque estaba el grabador sobre la mesa y el fotógrafo de la revista esperaba en un sillón a unos metros, Palo habló como si se tratara de una conversación privada. Titulé la nota con una frase de él que dice: “Soy como un dragón que se acuesta sobre sus tesoros y los aplasta con la panza”. Envié la entrevista y en seguida mi editor me contestó pidiéndome que cambiara el título. Así es que busqué en el texto y encontré otra frase de Palo tan buena como la anterior, o más.